O Modernismo nas Artes Plásticas

"Criador de Bananal" - 1927 - Lasar Segall.

O Modernismo foi uma corrente artística que surgiu na última década do século XIX, em oposição às formas clássicas, como resposta às consequências da industrialização, valorizando novamente a arte e a sua forma de realização, manual e artística, como por exemplo, pintura, escultura, literatura, arquitetura, fotografia e música. Embora não haja consenso sobre a datação deste período, muitos especialistas em arte consideram que o movimento foi até a década de 1970.

Na Europa, essa vanguarda teve como marca o avanço tecnológico e científico do início do século XX. Nesse período, o cotidiano das pessoas sofre uma verdadeira revolução com a supervalorização do progresso e da máquina e o Capitalismo entra em crise dando início à Primeira Guerra Mundial (1914-1918). A seguir, a crise financeira, oriunda do conflito, leva à Segunda Guerra Mundial (1939-1945), e nos anos intermediários, conhecidos como “os anos loucos”, as pessoas passaram a conviver com a incerteza e com o desejo de viver somente o presente.

"Pintura" - 1917 - Amadeo de Souza Cardoso (artista português) - Centro de Arte Moderna - Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa.

O termo Modernismo pode ser entendido como sinônimo de inovador, contemporâneo, ousado e transformador em oposição ao ultrapassado, obsoleto e antigo. Dois estilos surgidos na França deram base para esse grande movimento que eclodiu no século seguinte. O primeiro foi o Impressionismo (pintores modernos geralmente escolhiam cenas de exteriores como temas para suas obras: paisagens e pessoas humildes). O segundo foi o Simbolismo (tudo pode assumir um significado simbólico, elementos da natureza, construções do homem, formas abstratas, etc. Todo o cosmos é um símbolo em potencial). Ambos estilos rejeitaram as convenções da arte acadêmica vigente no fim do século XIX, gerando um grande impacto nas artes visuais. A seguir vieram outros estilos que influenciaram o início do século XX. O Cubismo, Futurismo, Surrealismo e o Expressionismo.

Os artistas modernos sofriam constantes críticas em função dos novos modelos adotados, no entanto resistiram às pressões e aos poucos foram conquistando o gosto do público.

Alguns artistas europeus Modernistas

Kandinsky, obra inspirada pelas peças "Opus 11" de Schoenberg - 1911

"Natureza Morta com Vaso de Gengibre I" - óleo sobre tela - 65,5cm X 75cm - 1911 - Piet Mondrian - Museu Municipal de Haia.

"Bust of a Woman"  (Dora Maar) - óleo sobre tela - 1938 - Pablo Picasso - Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.

"Música" - óleo sobre tela - 2,60cm X 3,89cm - 1910 - The Hermitage - St Petersburg.

O Modernismo no Brasil

O termo identifica o movimento desencadeado pela Semana de Arte Moderna de 1922, que foi a reunião de vários artistas (pintura, literatura, música, arquitetura, escultura e outros) de várias tendências artísticas que buscavam renovar as artes, difundindo suas ideias e rompendo, assim, com a cultura tradicional e conservadora do século XIX.

O período de 1922 a 1930, é o que mais se evidencia um compromisso dos artistas com a renovação estética, beneficiada pelo contato estreito com as vanguardas europeias (cubismo, futurismo, surrealismo, etc.). Tal esforço de redefinição da linguagem artística se soma a um forte interesse pelas questões nacionais que ganham destaque a partir da década de 1930, quando os ideais de 1922 se difundem.

O impulso teria vindo da pintura de Di Cavalcanti à frente da organização do evento, das esculturas de Brecheret e, sobretudo, da exposição de Anita Malfatti, em 1917. Os trabalhos de Anita desse período (O Homem Amarelo, a Estudante Russa, A Mulher de Cabelos Verdes, A Índia, A Boba, O Japonês entre outros.) apresentam um compromisso com os ensinamentos da arte moderna: a pincelada livre, a problematização da relação figura/fundo, o trato da luz sem o convencional claro-escuro.

"A Boba" - 1916 - Anita Malfati

"O Homem Amarelo" - 1917 - Anita Malfati

A obra de Di Cavalcanti segue outra direção. Autodidata, Di Cavalcanti trabalha como ilustrador e caricaturista. O traço simples e estilizado se tornará a marca de sua linguagem gráfica. A pintura, iniciada em 1917, não apresenta orientação definida. Suas obras revelam certo ecletismo, alternando o tom romântico e "penumbrista" (Boêmios,1921) com as inspirações em Pablo Picasso, Georges Braque e Paul Cézanne, que o levaram à geometrização da forma e à exploração da cor (Samba e Modelo no Atelier, ambas de 1925).

"Boêmios" - pastel - 34cm X 23cm - 1921 - Di Cavalcanti - Acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo.

"Samba" - 1925 - Di Cavalcanti - Destruída em incêndio no Rio de Janeiro, em 2012 - Acervo particular..

Os contrastes cromáticos e os elementos ornamentais da pintura de Henri Matisse, por sua vez, estão na raiz de trabalhos como "Mulher em Casaco Roxo", 1937. A formação italiana e a experiência francesa marcam as esculturas de Brecheret. Autor da maquete do Monumento às Bandeiras, 1920, e de 12 peças expostas na Semana de Arte Moderna(entre elas, Cabeça de Cristo, Daisy e Torso), Brecheret é o escultor do grupo modernista, comparado aos escultores franceses Auguste Rodin e Emile Antoine Bourdelle pelos críticos da época.

"Mulher em Casaco Roxo" - 1937 - Henri Matisse 

"Cabeça de Cristo" - Década de 1940 - Victor Brecheret - Coleção particular

Assista ao vídeo -  "Viajando pelo Modernismo - Aspectos da cultura brasileira".

              

Edward Hopper. O pintor da solidão

"Auto retrato" - 1925/30 - Edward Hopper

Edward Hopper (1882-1967), foi um pintor, artista gráfico e ilustrador norte-americano conhecido por suas misteriosas pinturas de representações realistas da solidão na contemporaneidade. Em ambos os cenários urbanos e rurais, as representações do artista refletem a sua visão pessoal da vida moderna na América.

Nascido no estado de Nova Iorque, Hopper estudou design gráfico, ilustração e pintura na sua cidade natal. Um dos seus professores, o artista Robert Henri, encorajava os seus estudantes a usarem as suas artes para "fazer um movimento no mundo". Henri, foi de grande influência para Hopper e motivou vários estudantes a fazer descrição realista da vida urbana.

"Automático" - 1927 - Edward Hopper

Hopper, foi um contador de histórias. Viveu os anos da depressão e viu na cidade de Nova York um lugar para viver. Foi dela que veio a inspiração para muitos dos seus trabalhos.

Seus personagens estão sempre só, entretidos consigo mesmos. Talvez em uma solidão urbana quase inevitável, mas não parecem necessariamente tristes. Eles não têm nome, não fazem qualquer coisa extraordinária. Não são diferentes ou especiais. São apenas comuns.

Eles estão trabalhando em um posto de gasolina, até mais tarde no escritório, tomam café e compartilham o balcão com desconhecidos, leem revistas, jornais, fazem isso enquanto o tempo corre, enquanto alguém está indo de um lugar para o outro, ou algo é resolvido ao redor.

"A Barbearia" - 1931 - Edward Hopper

Dizem que o artista lia com certa frequência uma citação de Ralph Waldo Emerson, no qual há uma definição de solidão que o inspirava.

“O grande homem é aquele que, no meio da multidão, mantém com perfeita doçura a independência da solidão” - Ralph Waldo Emerson.

A inquietude que surge por meio da pintura de Hopper pode ser mais o fruto do nosso desconhecimento sobre as diferenças entre solidão e solitude, tristeza e melancolia, do que propriamente um fato inerente às obras. Ainda que haja algo melancólico  nos olhares, nas cores, nas composições, nos lugares, não nos transmite desespero.

"A Gasolineira" - 1940 - Edward Hopper

São cenários urbanos e também rurais, onde reina a descrença: nas pessoas, na cidade, na perspectiva de uma vida melhor; onde o pessimismo se instala no quotidiano. Edward Hopper inspirou-se nas juventudes perdidas, na Guerra, nos escravos da época e nos milhares de empregos perdidos. O seu estilo de linhas finas e cuidadas, acompanhadas de formas largas e de uma iluminação invulgar, consegue captar exatamente o que o artista pretendia: o vazio, a solidão, a imobilidade estática que aprisiona as emoções e as vidas dos personagens.

Em 1925, foi pintada a obra “Casa ao lado da ferrovia”. Uma mansão isolada, sem ninguém por perto, em frente a linha do trem. Hopper era um cinéfilo assumido e transpunha para estas paisagens os truques de mistério e suspense utilizados nas telas. Mas o contrário também acontecia. Por exemplo, em 1960, esse quadro inspirou Alfred Hitchcock na criação do "Hotel Bates" do filme "Psicose". Na época, a obra foi o primeiro trabalho adquirido pelo recém-aberto ao público, Museum of Modern Art, MoMA.

"Casa ao lado da ferrovia" - 1925 - Edward Hopper

As figuras humanas pintadas pelo artista demonstram uma melancolia e um silêncio que mais facilmente associaríamos a paisagens. O seu realismo capta a essência interior de cada um de seus personagens. Em “Aves noturnas” de 1945, Hopper, pinta mais de três pessoas juntas, pinta a forma como cada uma se refugia na sua própria solidão. Já em “Noite de Verão” de 1947, existe apenas o distanciamento entre um casal de namorados, mostrando que mesmo alguém tão próximo de nós pode estar muito longe do nosso íntimo.

"Noites de Verão" - 1947 - Edward Hopper

A obra de Edward Hopper, não importa o quanto você olhe, o quanto você se esforce para ver mais, para entender o que está se passando além daquelas paredes. Não importa sob qual ângulo você tente atravessar seu olhar por aquelas janelas, elas vão continuar teimando em revelar apenas o suficiente para forçá-lo a tentar de novo.

Você nunca vai deixar de ser um observador invisível, condenado ao silêncio, à distância, à melancolia.

Pelas janelas de Edward Hopper, você sempre vai estar condenado à solidão.

"Filme de Nova Iorque" - 1939 - Edwar Hopper

Curiosidades sobre Edward Hopper

Hopper, quando não estava em seu estúdio, na Washington Square, em Nova Iorque, passava a maior parte do tempo observando e desenhando cenas nos cafés e nas ruas. Frequentava também, óperas e teatros.

Casou-se em 1923 com Josephin Nivision, artista e antiga colega da NY Academy. Jo Hopper, como era conhecida, foi a musa inspiradora do artista americano em praticamente todas as figuras femininas de suas obras.

"Josephin Nivision" - "Jo Hopper"

A mulher que toma uma chávena de café sozinha "Automat", 1927, a mulher sentada na cama a olhar fixamente pela janela "Morning Sun", 1952, a mulher sentada no comboio lendo um livro "Chair Car", 1965. Jo Hopper era todas estas mulheres, e nenhuma delas.

"Sol da manhã" - 1952 - Edward Hopper

Hopper passou anos sem conseguir uma exposição. Só aos 37 anos, e com a ajuda de Josephine, já reconhecida no meio artístico da época, é que Edward Hopper recebeu o primeiro convite para expor seis das suas aquarelas no Brooklyn Museum (1923).

"O telhado em mansarda", aquarela sobre grafite, 34cm x 48cm.

Uma das aquarelas foi adquirida pelo Museu para a sua coleção permanente, sendo a segunda pintura que o artista vendeu em 10 anos. Apesar disso, o trabalho de Hopper tornou-se rapidamente notado, tendo atingido aos 41 anos grande reconhecimento.

Quando Edward e Jo Hopper começaram a pintar juntos, houve uma nítida e curiosa influência na produção artística mútua: Tendo transitado de uma paleta de tons muito escuros para tons mais brilhantes, tipicamente utilizados pela sua mulher, Edward começou finalmente a ver o seu trabalho apreciado e a conquistar sucesso. Já Josephine, que começou a reproduzir nas suas pinturas o estilo de Hopper, perdeu todo o reconhecimento. Josephine referia-se habitualmente às pinturas do marido como as suas “crianças”.

"Cena da Floresta" - óleo sobre painel - 1914/23 - Josephine N. Hopper - Whitney Museum of American Art, New York.

Uma das obras mais conceituadas do pintor americano "Nighthawks", Edward e a sua esposa servem de modelos. As duas figuras masculinas sentadas no restaurante foram baseadas no pintor, tendo Josephine pousado para a criação da figura feminina ruiva.

Em uma carta que Josephine enviou à sua irmã pode ler-se “Ed terminou agora uma pintura muito boa – um restaurante, à noite, com três figuras. Nighthawks seria um ótimo nome para ela. Edward posou para os dois homens em um espelho e eu para a rapariga. Ele esteve cerca de um mês e meio a trabalhar nesta pintura".

"Nighthawks" - 1942 - Edward Hopper

Em 1968, após o falecimento de Edward Hopper, Josephine doou todas as obras do artista ao Whitney Museum , NY. Aproximadamente 3.000 trabalhos no total. Até há pouco tempo, pensava-se que todos os trabalhos de sua esposa Jo Hopper teriam sido destruídos mas, recentemente, foram encontrados mais de 200 obras da autora nos arquivos do mesmo Museu.

O "Quadrado Negro sobre fundo Branco" de Kazimir Malevich

"Quadrado Negro sobre fundo Branco" - 1915 - óleo sobre tela - 79,5cm X 79,5cm - Kazimir Malevich - Galeria Tretiakov, Moscou.

Kazimir Severinovich Malevich, (1878-1935), nascido em Kiev, era um pintor e arte-teórico russo. Foi o pioneiro da arte abstrata geométrica e o autor da avant-garde movimento suprematista. Segundo seu manifesto "Do Cubismo ao Suprematismo", publicado em 1915, o suprematismo define-se como “supremacia do puro sentimento”, retratando a sensibilidade em si mesma, sem conexão com objetos que indiquem sua origem.

"Retrato de Mathuchin" - 1913 - óleo sobre tela - 106,3cm X 106,3cm - Galeria Tretiakov, Moscou.

A pintura "Quadrado Negro sobre fundo Branco" é a representação pura da escuridão que Malevich sentia dentro de si. Gerou muitas discussões, lendas e histórias. Malevich idealizou a obra em 1913 e a pintou em 1915, no auge da Primeira Guerra Mundial. Inicialmente, a obra, não tinha sentido simbólico, transmitindo apenas uma mensagem gráfica. Mas aconteceu o que muitas vezes ocorre com obras importantes. Em torno dessa obra surgiram várias interpretações e opiniões. Efetivamente, o "Quadrado Negro sobre fundo Branco" é uma obra bem mais complexa do que parece à primeira vista. É o resultado de conhecimentos excepcionais acumulados por Malevich sobre as cores, composição e proporções artísticas, além do fato de que ele era um místico cristão devoto que acreditava que a tarefa central de um artista era o de tornar sentimento espiritual.

Ao analisarmos, percebemos que o “Quadrado” não é quadrado. Nenhum dos seus lados é paralelo às bordas. Malevich misturou várias cores de tintas para chegar à cor preta. Se olharmos com atenção, reparamos que a camada de tinta está gretada, proporcionando uma ilusão de enxergarmos no quadrado um búfalo correndo, virado para o observado, de lado e um pouco de costas.

Há quem afirme que o “Quadrado Negro” saiu por acaso, nos preparativos de uma grande exposição futurista. Malevich e alguns seguidores souberam que uma sala enorme havia sido destinada para seus quadros. Como o tempo urgia, eles se lançaram a criar obras para enchê-la. Malevich, que tinha dificuldade para pintar, quando se sentia nervoso, simplesmente encheu a tela de tinta, surgindo daí o "Quadrado".

Dizem que Malevitch ficou em estado de perturbação total durante uma semana, não conseguiu comer, beber ou dormir. O pintor acreditava que a representação figurativa trazia para o quadro "qualquer coisa do referente", pelo que o ato de "apagar a representação" implicava "apagar também o referente". No entanto, o próprio Malevich afirmava que criara o quadro num estado de transe místico, sob influência da “consciência cósmica”, razão pela qual, para ele, a obra tinha grande significado. Na exposição, o “Quadrado Negro” estava num canto direito, espaço reservado para as obras russas. Era o lugar de ícones.

Outros Quadrados de Malevich

O artista também pintou o “Quadrado Vermelho” e o “Quadrado Branco”.

"Quadrado Vermelho" - 1915 - óleo sobre tela - 53cm X 53cm - Museu do Estado Russo - São Petersburgo.

"Quadrado Branco sobre fundo Branco" - 1918 - óleo sobre tela - 78,7cm X 78,7cm - MoMA, Nova York.

O “Quadrado Negro” não é único. O segundo da série foi pintado para o Bienal de Veneza, em 1923, diferenciando-se do primeiro em dimensões. O terceiro, foi criado por Malevich para uma exposição na Galeria Tretiakov, em 1929. Segundo consta, foi um pedido do diretor da galeria, que não queria expor o original gretado. No segundo e no terceiro, já não há pequenas rachaduras; provavelmente, o artista usou verniz para proteger as tintas.

Em 1993, apareceu uma quarta variante do “Quadrado Negro”. Um desconhecido trouxe-o para um dos bancos da cidade de Samara, Rússia, como garantia para um empréstimo. O quadro se tornou propriedade do banco e foi de grande ajuda no ajuste de contas. Para o quadro não sair da Rússia, o governo proibiu a venda para o exterior e a obra acabou sendo adquirida pelo empresário russo Vladímir Potanin, que o ofereceu ao Museu Hermitage.

Outras obras de Malevich

"Quadrado Negro e Quadrado Vermelho" - 1915 - óleo sobre tela - 71,1cm X 44,4cm - MoMA, Nova York.

"Auto-retrato" - 1907 - tempera sobre papel - 69cm X 70cm - Stedelijk Museum, Amsterdam.

"Banhista" - 1911 - guache sobre papel - 105cm X 69cm -  Stedelijk Museum, Amsterdam.

Monumento pintado

A história do “Quadrado Negro” se prolongou para além da morte do autor, como acontece com as grandes obras. No enterro de Malevich, em conformidade com o testamento do pintor, foi seguido o “costume suprematista”, durante o qual o “Quadrado Negro” mais uma vez desempenhou o papel do ícone, sendo pintado na urna e a reprodução do mesmo estava instalada no carro fúnebre.

Durante a guerra, não foi possível preservar a sepultura de Malevich, nos arredores de Moscou. Em 1988, um grupo de entusiastas instalou, no local, um monumento mencionado no testamento de Malevich - um cubo branco com a imagem de um quadrado.

“As figuras, estes quadrângulos, são reais para a vida” Malevitch.

Assista ao vídeo

Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo

Galeria Nacional da Escócia – National Gallery of Scotland

A Galeria Nacional da Escócia ou National Gallery of Scotland, é uma continuação da Galeria Nacional de Londres.  Possui a maior coleção de arte da Escócia e está entre as melhores do mundo. As duas galerias possuem o mesmo estilo tanto em seu  interior como em seu acervo, com obras de pintores conhecidos mundialmente, entre eles, Botticelli, Rembrandt, Raphael, Gauguin, Van Gogh, Velázquez. Obras dos pintores como Robert Burns e Henry Raeburn, os mais famosos da Escócia, também se encontram na Galeria. Na exposição, é possível apreciar ainda alguns desenhos originais de Leonardo da Vinci.

"Portrait of Walter Scott" - 1822 - óleo sobre tela - 76,2 cm X 63,5 cm - Henry Raeburn - Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo

A Galeria possui dois andares, sendo que o primeiro é formado por quatro alas maiores, duas menores e um espaço para exibições, como o das obras do artista escocês George Bain, chamada de Master of Celtic Art.

"Que teus passos retornem de todos os cantos do globo sob a orientação da estrela que aponta para casa".

Nas escadas que dão acesso ao segundo piso,é possível apreciar várias esculturas de rostos, em mármore, pendurados na parede.

Interior da Galeria Nacional da Escócia

O segundo andar possui apenas duas pequenas alas onde se encontram as obras dos pintores Espanhóis e os desenhos de Leonardo da Vinci.

"A velha cozinheira" - 1618 - óleo sobre tela - 99 cm X 128 cm - Diego Velazquez - Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo.

"Studies of a dog´s paw" -  1490/95 - Leonardo da Vinci

As obras expostas na Galeria Nacional da Escócia, vão do Renascimento até o Pós-impressionismo. Entre elas estão esculturas, peças de mobiliários e alguns desenhos.

"A Sagrada Família da Palmeira" -  1506 - óleo sobre madeira transferido para tela - 101,5 cm de diâmetro - Rafael Sânzio - Galeria Nacional da Escócia - Edimburgo.

Os principais destaques da Galeria são os quadros de Rembrandt, sendo o mais famoso do museu, o seu "Auto Retrato", além de obras de Botticelli, Raphael, Gauguin, alguns quadros de Monet, Cézanne, Van Gogh e obras de pintores Espanhóis como El Greco, Goya e Velázquez.

“Autorretrato” - 1659 - óleo sobre lienzo - 52,7 cm X 42,7 cm - Rembrandt Van Rijn - Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo.

Quanto às obras dos escoceses, a Galeria possui a coleção mais abrangente do mundo. O grande destaque é o quadro "Diana e suas nifas" de Robert Burns.

"Diana e suas nifas" - Robert Burns.

Obras do Acervo

"Visão do Sermão" (Jacob Wrestling com o Anjo) - 1888 - Paul Gauguin

"The Nativity" - 1872 - William Bell Scott

"A adoração dos Reis" - 1540 - Jacopo Bassano (Jacopo da Ponte)

"Olive Trees" - 1889 - Vincent van Gogh

Exposição atual

"O Pintassilgo" - 1654 - Carel Fabritius

Uma das pinturas mais icônicas do mundo, nunca antes vista na Escócia, apenas no Reino Unido, é apresentada neste outono, na Galeria Nacional da Escócia, em Edimburgo. A obra, "O Pintassilgo", foi gentilmente cedida pela galeria fotográfica Real Mauritshuis, em Haia - cidade localizada na costa ocidental da Holanda, capital da província de Holanda do Sul - Quando apresentada em Nova York, em 2014, foram registradas 200.000 visitas, apreciadores enfrentaram longas filas em baixas temperaturas. 

Sobre a obra "O Pintassilgo"

"O Pintassilgo" ou "O Goldfinch", pintado por Carel Fabritius em 1654, é uma das pinturas mais bonitas e a mais misteriosa da idade dourada holandesa.

Na ocasião em que a obra foi pintada, esses passarinhos eram animais de estimação populares. Eles eram conhecidos por sua plumagem colorida, sua deliciosa canção e sua habilidade de aprender truques, como tirar água de uma tigela com um balde pequeno (daí o título holandês "Het Puttertje" - "a pequena gaveta de água"). Nas pinturas holandesas do período, esses pássaros eram o símbolo da desenvoltura e da destreza, ou mesmo do amor cativo. A descrição isolada que Fabritius fez do pássaro não pertence a tais tradições, e seu significado é mais alusivo. Há apenas um pássaro, pintado com extraordinário realismo, com a cabeça virada para o espectador e a perna presa por uma esbelta corrente de metal.

Sobre Carel Fabritius

Carel Fabritius (1622-1654) é visto frequentemente como a ligação entre dois gigantes da pintura holandesa: Rembrandt van Rijn (1609-69) e Johannes Vermeer (1632-75), em cujo trabalho teve uma influência considerável. Artista de extraordinária habilidade, Fabritius teve uma morte trágica e prematura, aos 32 anos, quando uma loja de pólvora explodiu, destruindo grandes partes da cidade de Delft, na Holanda, matando centenas de moradores. Presume-se que grande parte do trabalho de Fabritius foi perdida na explosão e somente cerca de uma dúzia de suas pinturas sobreviveram. Entre elas, "O Pintassilgo", pintado no ano em que o artista faleceu, é considerado por muitos como sua obra-prima.

"Eliezer e Rebecca no poço" - 1641 - Carel Fabritius - Galeria Nacional da Escócia


Galeria Nacional da Escócia - The Mound, Edinburgh EH2 2EL, Reino Unido.

Lydia Delectorskaya a musa de Matisse

Henri Matisse com sua musa Lydia Delectorskaya

Henri Matisse gravurista, ilustrador, escultor, pintor e um dos principais nomes da arte moderna. Conhecido como o expoente máximo do movimento artístico chamado Fauvismo, que floresceu inicialmente na França entre 1901 e 1908.

Em suas obras Matisse buscava sempre manter o equilíbrio entre a tranquilidade e a vivacidade, em pinturas e esculturas simples e sem detalhes rebuscados.

Seus desenhos estão repletos de traços arabescos e formas planas nas quais as cores buscam a máxima expressão pela qual se impõem, seja nas formas geométricas ou nas figuras alegres e femininas.

A fixação do artista pelo corpo feminino, por cores vibrantes, tecidos, roupas e acessórios está presente em vários momentos de suas obras.

"Odalisca, harmonia no vermelho" - 1926/27


Sobre Lydia Delectorskaya

Lydia Delectorskaya foi a bela loira de olhos azuis, da Sibéria, que se tornou modelo, musa e gerente do estúdio de Matisse nas últimas duas décadas de sua vida.

Lydia era muito jovem quando se casou, no sul da França, mas seu casamento durou apenas um ano. Devido a sua bela aparência logo conseguiu trabalho de dançarina em um filme e depois como modelo.

Lydia Delectorskaya

Delectorskaya foi contratada para cuidar de Amelie, esposa do artista, que estava doente. Três anos depois, Matisse convidou-a para posar para ele em seu estúdio. Lydia era diferente de todas as modelos que ele havia pintado antes, loira como uma princesa de gelo.

Após seis meses ajudando o artista no fabuloso mural "A dança", Lydia recebeu 500 francos de Matisse para recomeçar sua vida, mas seu parceiro perdeu tudo em uma noite no Casino, foi então que a dançarina começou a participar de maratonas de dança para pagar dívidas. Quando Matisse soube, ficou horrorizado. Foi o início de uma das parcerias mais frutíferas na arte.

"A dança" - 1910

Durante quatro anos, o artista não pintou mais ninguém. Lydia tornou-se indispensável, não só como modelo, mas também como sua assistente, assumindo o controle do estúdio e cuidando de todos os seus assuntos. Amelie, sua esposa inválida, sentindo-se traída, levantou-se da cama e exigiu que Matisse escolhesse "ou ela ou eu". O artista escolheu a esposa, mas Amelie nunca conseguiu perdoá-lo  e o deixou no início de 1939.

Após a separação do casal, Lydia voltou rapidamente para o estúdio de Matisse, em Paris, retornando ao trabalho e permanecendo ao seu lado durante o resto de sua vida.

Porta retrato Lydia - 1947

O relacionamento de Henri Matisse e Lydia Delectorskaya foi extremamente produtivo. O artista era 40 anos mais velho que sua assistente. Não há provas de que eles tenham tido um relacionamento sexual. Quando questionada, Delectorskaya sempre negou.

Dizem que Matisse e sua modelo Lydia, fizeram amor "apenas na tela" e que Matisse era muito comprometido com a pintura para perder tempo e energia fazendo sexo com suas modelos.

"Mulher jovem em uma blusa azul" (Lydia Delectorskaya) 

Enquanto Matisse esteve doente, Lydia lhe trouxe calma, apoio e companheirismo, o que permitiu ao artista continuar no topo de seu poder criativo. Acredita-se que sem a sua assistente, Matisse não teria conseguido fazer as colagens que se  tornaram tão famosas. Delectorskaya também coordenou os quatro anos de preparação e instalação da obra, inundada de luz azul e amarela, na capela de Vence, nos arredores de Nice.

Capela do Rosário - Vence, Nice.

Quando Matisse morreu, em 1954, um dia após fazer o último retrato de Lydia, ela saiu imediatamente do estúdio, deixando os preparativos do funeral para a família do artista. 

"Antes, o cotidiano me aborrecia. Ao pintar, passei a sentir-me gloriosamente livre e tranquilo", disse Matisse.

Embora tendo sofrido essa grande perda em sua vida. Lydia ainda viveu por muito tempo, morrendo aos 88 anos de idade, em Paris, em 1998. Os quadros que Matisse lhe dera foram doados para o Hermitage em São Petersburgo e foram publicados dois livros sobre os anos mais produtivos da carreira de Matisse .

"Rosa nude" - (modelo Lydia Delectorskaya) - 1935

Lydia Delectorskaya

Lydia Delectorskaya

Lydia Delectorskaya

"Comigo, ele sabia como ser gentil e sedutor. Ele era charmoso, e tão tocante. Ele sabia como me domar". Lydia Delectorskaya

Para conhecer mais obras do artista, assista ao vídeo.