Uma história do Modernismo na Pinacoteca de São Paulo

A Pinacoteca do Estado de São Paulo, instituição da Secretaria da Cultura, apresenta na Estação Pinacoteca a exposição de longa duração "Arte no Brasil: uma história do Modernismo na Pinacoteca de São Paulo". Instalada no segundo andar do prédio, a mostra reúne 50 obras, entre pinturas e esculturas, de artistas como Alfredo Volpi, Cândido Portinari, Carlos Prado, Emiliano Di Cavalcanti, Ernesto Di Fiori, Flávio de Carvalho, José Pancetti, Lasar Segall, Sérgio Camargo, Tarsila do Amaral, Victor Brecheret, entre outros.

"Família" - 1935 - Cândido Portinari

Reunindo uma seleção de obras dos acervos da Pinacoteca do Estado de São Paulo e da Fundação José e Paulina Nemirovsky, a mostra dá continuidade à exposição Arte no Brasil: uma história na Pinacoteca de São Paulo, que trata da formação da visualidade artística e a constituição de um sistema de arte no país que se inicia no período colonial e avança até início do século XX. Já a mostra Arte no Brasil: uma história do Modernismo na Pinacoteca de São Paulo enfoca três principais momentos do Modernismo brasileiro: as inovações formais do primeiro Modernismo (de Lasar Segall a Flávio de Carvalho), a retomada das tradições da pintura (sobretudo dos artistas atuantes nas décadas de 1930 e 1940, como Alberto da Veiga Guignard e Pancetti), finalizando com obras que começam a ser influenciadas pelo abstracionismo (Bonadei e Volpi) e apontam em direção ao concretismo que se sedimentaria nos anos 1950.

Modernismo Brasileiro

"Duas amigas" - 1913 - Lasar Segall - Acervo do Museu Lasar Segall

Década de 1930 e 1940

"Flores" (Abricó-de-macaco) - déc. 1930 - óleo sobre tela - 65 x 53,5 cm - Alberto da Veiga Guignard - Coleção particular

Influencia do abstracionismo

"Casario com natureza morta" - óleo sobre tela - 71 x 120 cm - 1966 - Aldo Bonadei

Pela primeira vez na Estação Pinacoteca, o público terá oportunidade de conhecer os três principais momentos da arte Moderna no Brasil e perceber as aproximações e diferenças de estilos e temas entre as obras exibidas na mostra. Segundo Regina Teixeira de Barros, curadora, "a busca da identidade brasileira já vem do século XIX com se vê nas obras de Almeida Junior, por exemplo. Nesse sentido, o Modernismo dá continuidade a essa busca. Mas há artistas que não se enquadram nessa temática, como Ismael Nery que tem uma produção de caráter mais pessoal e filosófico, ou ainda, artistas que estavam interessados na pintura pela pintura como Guignard, Pancetti e De Fiori e que foram referenciais para seus contemporâneos. Por outro lado, o Modernismo representa um momento de grande inovação formal que desperta interesse até os dias de hoje".

"Autorretrato" - José Pancetti

A exposição, que ficará em cartaz até setembro de 2016, tem patrocínio do Banco HSBC por meio da Lei de incentivo à cultura. "Valorizar a cultura de países e estimular o câmbio cultural faz parte da nossa estratégia de patrocínio global. É uma grande satisfação apoiar esta exposição que mostrará os principais momentos da arte Moderna do país", conclui Renata Brasil, diretora de marketing para pessoa jurídica e patrocínios institucionais do HSBC.

Alguns destaques da mostra:

Tarsila do Amaral (1886-1973)

"Abapuru" - 1928 - Tarsila do Amaral

Em janeiro de 1928, Tarsila do Amaral presenteou o marido Oswald de Andrade com a pintura "Abaporu", que o inspiraria a redigir o "Manifesto Antropófago", documento seminal do Modernismo brasileiro, no qual o autor propõe uma assimilação crítica do legado cultural europeu e seu reaproveitamento para a criação de uma arte genuinamente brasileira.

"A negra" - 1923 - Tarsila do Amaral

Embora "Abaporu" seja considerada a obra inaugural, "A negra", de 1923 – uma alegoria da figura da Grande Mãe, de seio único e agigantado, pesadamente assentada na terra, como uma deusa mítica da fertilidade, já prenuncia o que viria a ser a poética antropofágica de Tarsila: pinturas caracterizadas por um número reduzido de elementos, economia de cores e presença de temas nacionais e primitivos, figurados numa intensa atmosfera onírica. A pintura "Antropofagia", de 1929, como indica o título, é uma assimilação das duas obras anteriores: figura e fundo de "Abaporu" e "A negra" se mesclam, formando um casal primitivo, em uma paisagem densa e silenciosa. As imagens inspiradas em um Brasil arcaico, pré-cabralino, aliadas à utilização de uma linguagem moderna, criaram uma solução possível para um paradoxo presente na prescrição antropofágica: a necessidade de conciliar aspectos primitivos e modernos a um só tempo.

"Antropofagia" - 1929 - Tarsila do Amaral

Ernesto de Fiori (1884 - 1945)

"Homem andando" - 1936/1937 - 97 alt X 37 larg X 56 cm prof - Ernesto de Fiori

São poucos os dados precisos sobre a formação artística de Ernesto de Fiori. Sabe-se que em 1904 ingressou na Akademie der Bieldenden Künste de Munique, na Alemanha, onde frequentou aulas de desenho. Desde o início interessado em pintura, mas dedicado, sobretudo, à escultura, chegou ao Brasil, em 1936, vindo de Berlim, e começou a se firmar no ambiente artístico ao participar de mostras locais. A figura do homem andando ou em marcha está presente em seu trabalho desde 1920 até aproximadamente 1938. Mas estas peças tem as suas especificidades no modo como o homem projeta o seu corpo à frente, com cabeça e tronco lançados para a esquerda, em passo largo, sugerindo velocidade e obstinação. A superfície áspera, desigual, com aspecto inacabado, e a simplificação das formas, sem a divisão dos dedos das mãos ou dos pés, reforçam a rapidez e o dinamismo da escultura, desde a ideação, passando pela moldagem da matéria. O resultado é uma imagem urgente, que insinua um processo em curso, ou no mínimo uma situação que aponta para transformações.

Alfredo Volpi (1896 - 1988)

"Fachada" - 1955 - Alfredo Volpi

Foi depois da viagem a Minas Gerais, 1944, que Volpi começou a pintar com têmpera. Juntamente com a troca de técnica, vê-se, pouco a pouco, ao longo do final da década de 1940 e início da de 1950, sua pintura se fechar, selecionando certos elementos formais, como as fachadas das casas, que até então eram representadas em sua totalidade. As famosas bandeiras começaram a ser representadas no início da década de 1950 e reaparecerão inúmeras vezes em seu trabalho, ora como bandeirinhas, ora como formas geométricas puras sofrendo todo o tipo de manipulação construtiva nas mãos do artista. Mas nem sempre a rigidez formal impera: em "Fachada", por exemplo, vemos uma composição bastante animada, de cunho mais popular.